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Mettre en valeur tes créations, tes plats et ton savoir-faire
Pour une photographie culinaire respectueuse et éco-responsable...

Les patisseries et les plaisirs gourmands

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Mes images culinaires ont pour objectif de mettre en valeur tes créations appétissantes, et ton savoir-faire talentueux dans les plaisirs gourmands. L'image culinaire nécessite une bonne préparation, toute la partie "matériel photo" doit être mise en place minutieusement avant l'arrivée du plat, une bonne maîtrise de l'éclairage et du stylisme culinaire, un amour pour la cuisine, tout cela pour donner au lecteur  l'eau à la bouche et l'envie de gouter tes créations.

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Photographe-Waterloo-Bruxelles-Wallonie, tarte rhubarbe avec fumée des bougies, Philippe Julémont Photography, www.philippejulemont.com, photographies culinaires, photographies patisseries

En mode macrophotographique, mes images montrent au consommateur ce qu'il ne voit pas, ou ne regarde plus. Elles l'incitent à suspendre le temps et observer avec un autre regard. J'aime mettre en valeur les textures, les couleurs, les compositions, dans des prises de vues captant tes produits, soit par la lumière naturelle, soit par la lumière de studio. Le matériel photo peut donc être du plus simple au plus sophistiqué. En lumière naturelle, je photographie près d'une fenêtre et j'utilise un réflecteur qui réfléchit cette lumière pour amoindrir les ombres.  Je veille à obtenir la lumière de derrière ou de côté, ce qui donne toujours un plus bel effet qui fait mieux ressortir les volumes que la lumière de face, qui aplatit l'image. 

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Photographie culinaire, composition de macarons aux figues par Philippe Julémont Photography,  Photographe culinaire Wallonie-Bruxelles, www.philippejulemont.com
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Photographie culinaire, composition de croissants à la crème,  par Philippe Julémont Photography, Photographe culinaire Wallonie-Bruxelles www.philippejulemont.com
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Les plats 

le dressage de l'assiette

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Préoccupation des restaurants et professionnels de l'Art culinaire, le dressage de l'assiette est une mise en scène qui charme l'oeil, avant la mise en bouche. Elle demande inspiration, savoir-vivre, créativité et connaissances. En effet, l'esthétique de l'assiette est à la fois une affaire d'art, mais aussi de savoirs. Savoirs au niveau de la composition, des couleurs, des textures, des volumes (travail avec une approche tridimensionnelle), des espaces vides,  des lignes, des courbes, du graphisme, des lumières, des garnitures, des saupoudrages, des tailles, des coulées, des rayures, des éléments décoratifs (fleurs par exemple) ...et tous ces éléments pensés et agencés avec le souci de la  cohérence, de l'équilibre, voire même de la simplicité.

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Nous démarrons d'une assiette blanche  (d'une feuille blanche). Pour s'inspirer, rien de tel que de beaux livres de cuisine ayant mis l'accent sur la présentation des plats, des revues culinaires, des blogs,  un réseau social comme Pinterest et des concours télévisés comme Top chef ou Le meilleur pâtissier. 

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La direction de la lumière 

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En photographie culinaire, la source de lumière vient presque toujours de l'arrière ou latéralement. On constate en effet qu'une lumière éclairant l'assiette de l'avant (éclairage frontal)  n'est pas flatteuse pour les aliments. La lumière naturelle de derrière ou de côté (ou les deux simultanément), quant à elle, va révéler les textures, les couleurs, mais surtout va créer des zones de lumière et d'ombre donnant du volume à l'assiette. Si les zones d'ombre sont trop importantes par rapport au but recherché, j'utilise un réflecteur blanc pour redonner de la lumière sur l'avant de l'image. En revanche, si l'avant plan n'est pas assez dans l'ombre, j'utilise un coupe flux (drap noir ou papier noir) pour rajouter de l'ombre et du relief. Le contrejour magnifie les petits détails et les micro-contrastes.

Les textures

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Qu'est-ce qui nous fait plus saliver en cuisine que les textures ? Elles sont très souvent  appétissantes, elles attirent le regard. Le pain, le fromage, le chocolat fondu, un fruit rouge  par exemple offrent de belles textures alléchantes. Associées avec une belle couleur et une belle lumière, la magie opère pour faire fristouiller les papilles. Nous dégustons un met d'abord avec les yeux, et la matière d'un aliment provoque une sensation visuelle.

Les textures, et  leur complémentarité, leur contraste ou leur opposition offrent un cadeau palpable avec les mains et agréable pour les yeux.

Le point de vue en photographie culinaire

Il y a, pour résumé, trois prises de vue, ou angles de vue couramment utilisés en photographie culinaire.  Le flat-lay (ou en plongée) par lequel nous prenons la photo par le haut, à la verticale. Ce format est fortement utilisé (sur Instagram et dans les publicités de la grande distribution) et principalement pour les pizzas, les soupes, les spaghettis, les biscuits. Elle peut avoir pour effet d'écraser le plat. Nous veillerons alors à avoir différents plans dans l'image : serviette, bol, ingrédients, ... pour révéler toutes les textures.

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Pour plus de volume, et pour mettre en exergue le caractère tridimensionnel du plat, nous privilégions un angle à 45° , ou entre 30° et 60°. 

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Troisième possibilité : de face comme cela se fait souvent pour les burgers, les sandwichs ou les verrines par exemple. Dans cette optique, le plat culinaire révèle ses différentes strates, ses couches,  et apparaît de façon imposante, puissante, presque monumentale.

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La couleur en photographie culinaire

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Même si le photographe Edward Weston nous a laissé des photographies inoubliables de poivrons en noir et blanc, la photographie culinaire est aujourd'hui presque toujours en couleur. Nous savons bien que les couleurs de notre intérieur impactent notre humeur. Il en est de même dans l'art culinaire. Le rouge transmet de l'énergie, le bleu de la fraicheur. Dans un logiciel de retouche comme Photoshop, nous pourrons si nécessaire modifier légèrement la teinte, la saturation et la luminance des différents aliments mais avec parcimonie. En effet, si la couleur contribue à l'histoire que nous voulons raconter, il convient d'être prudent dans les corrections en post-production, pour que le plat reste naturel. 

Les compositions originales et dynamiques en photographie culinaire

Les compositions dynamiques sont celles qui s'appuient sur un mouvement : un fruit qui tombe, une bouteille suspendue, ...Ces dispositions donnent de la gaieté à l'image, et peuvent être surréalistes.

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La profondeur de champ en photographie culinaire

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La profondeur de champ, c'est la zone de netteté des différents plans de l'image. Lorsque la netteté porte sur toute l'image, de l'avant-plan à l'arrière plan, on dit qu'il y a une grande profondeur de champ. Lorsqu'une partie de l'image est bien nette, cette partie étant celle qui doit attirer l'oeil, on parle de courte profondeur de champ. Il n'y a pas de règles en photographie culinaire mais il faut reconnaitre qu'une faible profondeur de champ est fortement utilisée, l'effet de flou d'un arrière-plan donnant une atmosphère, une ambiance particulière de l'ordre du rêve, du vagabondage, il guide l'oeil sur l'élément principal de l'avant plan.

Mais rien n'interdit de moins ouvrir le diaphragme de l'objectif pour avoir une netteté plus longue, voire même de procéder à la technique du focus stacking : elle consiste à prendre plusieurs fois la même image, mais en pointant le focus à différents endroits, puis à assembler ces images dans un logiciel : La profondeur de champ est alors maximale, et tous les aliments de l'assiette son alors parfaitement nets.

Boissons et spiritueux

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Créer une belle ambiance

Réussir une photographie d'une boisson sera le résultat de la combinaison parfaite entre l'arrière-plan, le contenant (la bouteille et le verre), le contenu (la boisson elle-même) et l'éclairage. L'harmonie de la photo vient de la symbiose entre ces quatre éléments qui participent tous à l'ambiance générale, à l'atmosphère de l'image : énergie ou douceur...

 

Il faut tâcher de faire briller la boisson, la  rendre lumineuse, scintillante. Les boissons ont en général le pouvoir de faire briller la lumière qui vient de derrière ou latérale et qui passe à travers le verre ou la bouteille (plus difficile pour les boissons opaques ou très sombres comme le vin rouge)

L'éclairage

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Soigner l'arrière plan

Dans les publicités packshot pour le web, le fond est souvent blanc, pour permettre au consommateur de se concentrer exclusivement sur le produit, la bouteille ou le verre rempli de la boisson. Toutefois, ce fond ne participe pas à l'ambiance générale de la photo. Pour transmettre plus d'ambiance, nous pouvons être créatif et adopter un arrière plan qui fera mouche et qui va mettre en valeur le produit : j'aime réfléchir à ce fond et à son éclairage. Ce peut être un fond de studio, ou une photo d'arrière plan, un dessin, voire l'étiquette elle-même qui sonne alors en écho de la bouteille située à l'avant-plan.  Un fond noir peut aussi être du plus bel effet...Parfois même, une image prise à l'extérieur

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Le détail qui fait la différence

Un bon moyen  pour montrer une  belle photographie de boissons est de  soigner particulièrement le contour de la bouteille et du verre. L'idéal est d'avoir un liseré, ce petit bord blanc lumineux, ce rai de lumière qui provient de l'éclairage arrière et/ou latéral et qui donne de l'éclat à l'image. Ensuite, d'avoir un dégradé le long du verre ou de la bouteille. Pour cela nous utilisons des boites à lumière rectangulaire de la marque Elinchrom (dotées de double tissu diffuseur) mais aussi, en complément des grandes feuilles de papier diffuseur de la marque Lee filters. La combinaison des deux donnent ce "gradient" subtil et évite l'éclairage trop dur et trop direct sur les contenants.

L'éclairage en photographie de boissons, comme en photographie en général, est sans doute le point le plus important. C'est l'essence même de cet art. Il existe  des sets-up différents, des schémas de lumières variés

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Des flashs munis de leur boite à lumière rectangulaire, sont placés en arrière et latéralement des deux côtés de la bouteille et du verre. L'intérêt est de dévoiler la couleur du doux breuvage et sa lumière (possible si le produit n'est pas trop foncé ni trop opaque).  Un éclairage  par l'arrière par un ou deux flashs derrière une toile de diffusion est aussi une solution (dans ce cas-ci sans boite à lumière). Selon le nombre d'éclairages et la disposition des sources, nous obtenons une couleur homogène ou au contraire une couleur changeante, du jaune au brun pour la bière par exemple.

En lumière naturelle, le principe est le même  : nous privilégions l'éclairage latéral ou en contrejour.

Photographies culinaires, photographies produits, boisson, spiritueux et bières artisanales belges, Philippe Julémont Photography
Photographies culinaires, photographies produits, boisson, spiritueux et bières artisanales belges, Philippe Julémont Photography

La Belgique, petit pays en taille, est renommée pour sa bière. Nous avons une quantité impressionnante de bières mondialement connues, pils et bières d'abbaye, mais aussi quantité de brasseries artisanales et micro-brasseries lancées par des passionnés. Toutes participent à l'éclat du savoir-faire belge (qui se consomme avec sagesse et modération). Bières blondes, blanches, brunes, fruitées, montrent la variété de notre savoir-faire.

La photographie d'une bière artisanale

Les points d'attention pour la photographie de la bière, en plus de ce qui été écrit ci-dessus en matière d'ambiance,  d'arrière-plan, de liseré, et d'éclairage, sera  la mousse, son collet, son éclairage, sa hauteur, son onctuosité, son aération, la finesse de ses bulles. 

 

Il faudra aussi prêter attention à l'éclairage de l'étiquette de la bouteille, à la propreté du verre et de la bouteille (nettoyés et séchés avec une serviette en microfibre anti-peluches)

 

Enfin, pour donner un effet de condensation sur la bouteille et le verre, nous utilisons une astuce pour fixer les gouttelettes et donner un aspect "frais".   


 

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Les  natures mortes

La nature morte  fut un genre de peinture très à la mode au XVIIème et XVIIIème siècle, style avec ses propres codes à cette époque-là. Il invitait notamment à s'interroger sur la nature passagère de la vie.
Cet exercice artistique mettait en scène des objets  (sablier, bougie, livre, ...) symbolisant le temps qui passe. Dans la photographie contemporaine, la nature morte est réinventée, les codes sont parfois bousculés, les règles reformulées.

Les formes en nature morte

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La force d'attraction de la couleur : elle est évidemment importante en nature morte. Un autre élément  important est le poids visuel des lignes et des courbes; Les lignes guident notre oeil, et, si elles rentrent dans l'image, elles  nous amènent naturellement vers un point de fuite, exploité depuis des siècles en peinture. 

Les lignes et les courbes en nature morte

Les lignes donnent aussi de l'énergie à l'image, en particulier les lignes obliques qui dynamisent, alors que les lignes horizontales stabilisent.  Lorsque des lignes se rencontrent, elles peuvent alors surprendre, mais elles doivent faciliter la trajectoire du regard  et le plonger dans  la photo.  

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Les courbes, gracieuses, sensuelles et délicates, d'un fruit, d'une fleur, d'un verre, ou d'une carafe, offrent à l'oeil un spectacle intéressant.

La visualisation

La prise de conscience et l'expérience de ces lignes droites, lignes arrondies et formes, nous poussent alors à imaginer la composition de la nature morte et à visualiser la composition à priori. J'aime dessiner mes compositions avec des crayons de couleur pour visualiser la scène que j'ai envie de raconter. Cela n'empêche pas d'ajuster  le tir pendant la prise de vue,  de procéder par tâtonnements, mais c'est toujours réjouissant de voir que la composition visualisée avant, fonctionne bien.  

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Si vous souhaitez prendre rendez-vous, je vous invite à me contacter par téléphone au 0496845599, ou par mail